Sin duda, el término 'jazz latino' ha causado bastante polémica a lo largo de la historia. Algunos creen que el jazz latino es simplemente la fusión de jazz con la salsa, y sin embargo la influencia afrocubana ha existido en la música de Estados Unidos desde el siglo XIX, mucho antes de que la salsa existiera como tal. A través de los años, el jazz latino ha pasado por muchos cambios, a la vez que se le han ido agregando más instrumentos. Sin embargo, un instrumento que casi no ha estado presente en el jazz latino es la guitarra.
    La música del guitarrista Steve Khan es una gran excepción a dicha tendencia. Desde la década de 1980 hasta el presente, Khan se ha convertido en uno de los exponentes más importantes de la guitarra en jazz latino. Concretamente, con las producciones musicales "PARTING SHOT" (Golpe de Partida) (2011), "SUBTEXT" (Subtexto en Azul) (2014) y "BACKLOG" (Asuntos Pendientes) (2017), Khan creó un lugar en el jazz latino donde la guitarra es quien está tocando todas las melodías y solos sobre una base de percusión tradicional junto al bajo y la batería. Todo esto lleva a la música a un lugar maravilloso e inesperado.
    Además de su larga y distinguida carrera como solista, Steve Khan fue el fundador y líder del grupo de jazz fusión Eyewitness y además es conocido por su trabajo con artistas como Miles Davis, Steely Dan, James Brown, Aretha Franklin, Chaka Khan, Billy Joel, Ashford & Simpson, Michael Franks, Al Jarreau, Quincy Jones, Michael Jackson, George Benson, Grant Green, Billy Cobham, Freddie Hubbard, Lou Rawls, Gladys Knight, Diana Ross, Randy Newman, Eddie Palmieri, Gil Evans, Buddy Rich, Maynard Ferguson, Bob James, Dexter Gordon, Woody Shaw, Stan Getz, Hubert Laws, Weather Update, Brecker Brothers, Jack DeJohnette, Steps Ahead, entre muchos otros.
    Steve Khan fue nominado al Premio Grammy por su álbum "LOCAL COLOR" (1987), y nuevamente por su álbum "BORROWED TIME" (2007). Además, Khan fue incluido en lista de "22 mejores guitarristas de jazz de todos los tiempos" de la revista Jazz Life.
    Tuve el gran placer de conversar con Steve Khan, y esto fue lo que platicamos.

    Antonio Gandía
    Bajista/Periodista de Jazz

[1]    Leí que iniciaste tus estudios musicales en el piano y después tocaste la batería. ¿Cómo y cuándo empezaste a tocar guitarra?
[SK]  Efectivamente, mi padre, el letrista Sammy Cahn, - quien fue mejor conocido por su asociación con Frank Sinatra - me hizo estudiar el piano, lo cual no me gustó nada. Yo estaba más bien interesado en los deportes. En algún momento gracias a la influencia de los Beatles mis amigos comenzaron a tocar la guitarra y empecé a tocar la batería, pero yo era un baterista terrible sin formación musical. Un día a mis 19 años de edad escuché "MOVIN' WES" (1964 Verve) que es un disco de Wes Montgomery con Grady Tate tocando la batería. Ese álbum comienza con el tema 'Caravan', tocado muy rápido. Al escucharlo me dije a mi mismo 'nunca tocaré la batería así de bien', y al mismo tiempo escuché a Wes Montgomery y en ese momento, por loco que suene, ¡quise ser el próximo Wes Montgomery a los 19 años! Había desarrollado un amor por la guitarra, empecé a tocar, y fue una locura.
    Cambié mi área de estudios de psicología a música en UCLA en 1965-66. En aquel entonces esa universidad ni siquiera reconocía a la guitarra como un instrumento que podía estudiarse ahí, ni siquiera reconocía a la guitarra clásica. Mi licenciatura fue en composición y teoría, pero aun asi necesitaba tener creditos de performance, asi que acabe por estudiar etnomusicología, aprendiendo sobre la música de muchos países como India, Japón, China, Bali, México, etc. Empecé a conocer gente en los jam sessions de Los Ángeles, y a la gente le gustó como tocaba yo, ¡aunque créeme que yo no sabía lo que estaba haciendo!
    Conocí a dos grandes músicos; el vibrafonista David Friedman y el bajista John Miller quienes en aquel entonces estaban tocando con un cantante de folk llamado Tim Buckley, mezclando elementos de jazz. David Friedman me invitó a ir a Nueva York pues él tenía un trabajo en el Music Inn. El me llevó a todos lados en Nueva York, vi a mis ídolos tocando y haciendo cosas que no pude creer. Ese fue el momento en 1969 cuando supe que si yo quería ser alguien y hacer algo en la música, tendría que venir a Nueva York. Entonces, regresé a Los Ángeles, me gradué de UCLA y en enero de 1970 me mudé a Nueva York, conociendo solamente dos personas ahí. Realmente es muy raro para mí el hacer algo así, pues no soy una persona aventurera o valiente, y hacer algo así va completamente en contra de mi personalidad. Así que vine aquí y cuando llegas a Nueva York te patean el trasero dondequiera que vas. El mensaje era '¡Mira niño, no eres lo suficientemente bueno! 'o' ¡No eres tan bueno como tal o cual guitarrista a quien llamaré para el proyecto!'. Es difícil que te digan esas cosas. Tienes que tomar muchos rechazos. Y no sé qué sucedió, pero como puedes darte cuenta, 48 años después aún sigo aquí, y lo increíble es que he visto llegar a muchos músicos fantásticos, - no solo guitarristas, sino que en todos los instrumentos, - que no aguantaron vivir aquí y se fueron, pues en Nueva York la vida es muy difícil. ¡Quizá la cualidad que yo tengo es que soy testarudo! [Risas] Sigo adelante. Eso no quiere decir que el rechazo no me afectó, de hecho me hizo sentir muy mal. Pero de algún modo seguí adelante.

[2]    Tienes muchas influencias como Wes Montgomery, Pat Martino y otros. Y sin embargo no suenas como ellos; tienes tu propio sonido incluso estando en Nueva York, rodeado de tantos músicos
[SK]  Para mí Wes fue la influencia más grande y después Kenny Burrell, Grant Green y Jim Hall. Ellos son los cuatro guitarristas que más me han influenciado, y entonces la segunda ola de influencias incluyó a Pat Martino y George Benson - quienes a su vez también fueron influenciados por esos guitarristas que mencioné. Todos ellos me inspiraron de una forma distinta, y puedes darte cuenta de dónde viene mi estilo, aunque al final sueno como yo mismo. Yo creí que iba a llegar a Nueva York y que podría tocar con algún trío de órgano de jazz estilo Jimmy Smith y que aprendería a tocar. Pero cuando llegué en 1968 fue justo cuando el movimiento de jazz fusión había comenzado. Miles Davis se había 'electrificado', y Larry Coryell era mayor héroe en la guitarra en esa época y también me influenció. Entonces, la única cosa que nunca puedes planear o anticipar cuándo te mudas a un lugar nuevo es quien más se está mudando ahí al mismo tiempo que tú. ¿Cómo podía yo haber sabido que ahí en Nueva York estarían los hermanos Brecker, Don Grolnick, Will Lee, Steve Gadd, Mike Mainieri, todos estos músicos fantásticos? Ahí estábamos todos y de alguna forma nos encontramos unos a otros y comenzamos a tocar juntos. Así que eso fue lo que dictó la dirección de mi carrera, sobre todo en los años setenta. Lo curioso es que el estilo de jazz fusión-rock que estábamos tocando estaba muy influenciado por la música que todos escuchábamos en la radio. Todos de niños escuchamos a los Beatles y la invasión británica, y además todos estábamos escuchando R&B, James Brown, Wilson Pickett, Aretha Franklin, Albert King, y B.B. King.


[3]    Después de trabajar con otros artistas, ¿cómo fue que comenzaste a grabar tus propios discos?
[SK]    Cuando firmé mi primer contrato con Columbia Records y grabamos "TIGHTROPE", "THE BLUE MAN" y "ARROWS" en 1977, '78 y '79 respectivamente, esos discos en realidad fueron una extensión de lo que yo estaba haciendo con los hermanos Brecker, aunque quizá un poco más centrado alrededor de la guitarra. Pero en 1980 Columbia Records se dio cuenta de que tenían muchos artistas de jazz fusión, y ese estilo estaba pasando de moda, así que ¡decidieron deshacerse de todos nosotros! Así, un día me sentí en la cima del mundo, pensando que estaría con Columbia Records por el resto de mi vida, y de repente me quede volando en el aire. Eso fue devastador. Todo cambió para mí en 1980. Afortunadamente mi vecino, el pianista Warren Bernhardt me animó a que yo grabara un disco de guitarra sola llamado "EVIDENCE". En el lado B hice un medley con puras obras de Thelonious Monk. Este fue el primer disco - y vendrían muchos más - que yo tuve que pagar de mi propio bolsillo y me sirvió como una 'limpia' espiritual Fue como comenzar de nuevo, regresando a tocar la música que siempre me había inspirado, con canciones de Wayne Shorter, Horace Silver, Joe Zawinul, Lee Morgan y Randy Brecker. Dejé de tocar mi Fender Telecaster y creo que ya nunca más volví a tocarla. Compré una Gibson 335, y regresé a un sonido más puro y simple, con un pequeño amplificador Fender y un poco de reverb.

[4]    Para mí Eyewitness fue y sigue siendo un grupo importantísimo. ¿Cómo fue que se juntaron?
[SK]  Antes que nada, cuando te refieres al 'grupo' Eyewitness, ese nombre no lo escogimos nosotros; la gente en Japón y las revistas nos llamaron así por el título de nuestro primer disco, y el nombre se quedó con nosotros. Si me preguntas cómo sucedió Eyewitness, te diré que ¡hasta la fecha aún no lo sé! [Risas]. Simplemente tomé el teléfono, le llamé a Anthony Jackson, Steve Jordan y también le llamé a Manolo Badrena, con quien había trabajado en un proyecto de Mike Mainieri. Había algo especial al tocar con Manolo, algo que yo necesitaba para mi música. Así empezamos a tocar juntos. Les dije que no tenía mucho material musical, pero quería que nos juntáramos a jammear, a ver qué salía. De repente, nació Eyewitness, - aunque no nos hicimos llamar así al principio - y lo que pasó es que empecé a grabar cassettes de nuestros ensayos y a usar esas grabaciones para crear canciones. Hablé con un tipo que tenía conexiones en Japón y antes de saber que íbamos a hacer le dije 'tengo esta banda que es algo especial, me gustaría grabarla'. Y él confió en mí, e hizo que sucediera, y así fue como grabamos el primer disco que se convirtió en Eyewitness, que es realmente el punto que contesta a tu pregunta.

[5]    Entonces, ¿podríamos decir que en Eyewitness fue donde encontraste tu sonido propio?
[SK]  Así es, con Eyewitness encontré mi forma de tocar y mi sonido propio. Pero no fue planeado; fue un accidente. Es decir, no es que todo lo que hice anteriormente no me haya llevado por ese camino, pero creo que si alguien dice 'quiero ser diferente' o '¿cómo puedo tocar mejor que Pat Metheny o John Scofield, o Bill Frisell?', entonces tratan de no ser como ellos, de alejarse de esos estilos, y terminan por no sonar tampoco como sí mismos. Para mí encontrar mi sonido fue simplemente un accidente glorioso. Si sigues el hilo de todo lo que he hecho a partir de Eyewitness, todo está conectado.

[6]    Alguna vez leí que tu estilo en la guitarra tiene una cualidad 'pianística'. ¿Crees que eso se deba a que Eyewitness fue un grupo sin teclado y por lo tanto había sobre ti una mayor responsabilidad armónica, además de melódica?
[SK]  Sí, probablemente tienes razón. Si me hubieras preguntado en 1970 si yo alguna vez tocaría en un grupo sin teclado te habría dicho '¿estás loco? ¡De ninguna manera! Necesito ese soporte'. El simplificar las cosas y tocar sin un tecladista fue algo que nunca antes se me había ocurrido hacer, y creí que era más difícil de lo que yo era capaz de hacer. Tuve una gran influencia del pianista McCoy Tyner, y de los músicos que él influenció, como Chick Corea, Joe Zawinul, Keith Jarrett, pianistas con una mano izquierda muy particular en su forma de tocar. Y eso fue lo que cambió todo para mí. Thelonious Monk fue una gran influencia por supuesto. Así mi estilo en la guitarra fue influenciado por lo que hace McCoy con su mano izquierda en el piano, más el aspecto linear-melódico encontré una forma de agregar coloración armónica a las melodías que tocaba. Algo que siempre le he dicho a mis alumnos y en clínicas es, si me ven tocando algo con acordes, no es solo un montón de acordes; ¡la nota más alta de cada voicing es una melodía! Lo tienes que escuchar de esa forma y pensar que no son solo un montón de acordes. La nota más alta de mis acordes tiene el mismo peso que si fuera una nota sencilla.


[7]    Sé que has hecho de todo, - desde tocar jazz tradicional, fusión, e incluso has hecho trabajo como músico de sesión. ¿Cómo te iniciaste en el jazz latino y cómo desarrollaste tu estilo?
[SK]  En nuestra casa mi padre solía escuchar discos de artistas que cantaban las canciones que él escribía. Tú eres demasiado joven para recordar esto, pero en los Estados Unidos de los años 50 ¡el país completo se volvió loco por el chachachá! Todo el mundo quería aprender a bailar el chachachá y todas las grandes orquestas, ya sea Tito Puente, o Tito Rodríguez se estaban popularizando al hacer covers de canciones famosas y no solo las canciones latinas tradicionales; canciones pop, broadway, pero estilo chachachá. Entonces mi padre llegaba a casa y escuchaba sus canciones en estilo chachachá. Una de las famosas que recuerdo fue de Peggy Lee cantando 'Come Dance With Me' estilo chachachá. Y la primera vez que escuché una campana/cencerro marcando los tiempos cada cuarto, me enamoré del sonido. El elemento latino siempre ha estado presente en mi vida y siempre lo he amado. En la historia de la música latina, el tres era el instrumento de cuerda en todas las bandas antiguas, y en algún momento entró el piano y tristemente el tres prácticamente desapareció. Entonces, por supuesto están todos los instrumentos tradicionales de percusión, conga, bongó y timbal y el bajo, pero normalmente tienen piano, metales, a veces un clarinete y el saxofón ha estado menos asociado con la música latina hasta hace relativamente poco tiempo, y la guitarra casi nunca esta ahí. Sentí que había un espacio vacío y que la guitarra podría funcionar muy bien. Algo de esto comenzó cuando entré a tocar con el Caribbean Jazz Project con Dave Samuels y Dave Valentin en 1999. Samuels me preguntó si me gustaría ser parte del grupo. Habíamos terminado de grabar un tributo a Cal Tjader junto con Dave Valentin. Le dije que entraría al grupo siempre y cuando no hubiera un teclado. Al principio me miró como si yo estuviera loco, pero accedió. Hicimos dos discos juntos, y eso me hizo sentir que era posible llevar la carga armónica y melódica con la guitarra. En algún momento dejé el grupo, y cuando estuve listo para grabar "THE GREEN FIELD" (El Prado Verde), teníamos varias piezas y eso fue el principio del camino que me llevó adonde ahora estoy. En este álbum participaron John Patitucci y Jack DeJohnette, pero también teníamos a Roberto Quintero y Ralph Irizarry y las piezas mezclaban jazz con percusión latina. Esto continuó en "BORROWED TIME". Pero entonces, cuando llegamos a los últimos tres discos, "PARTING SHOT", "SUBTEXT" y "BACKLOG", fue cuando sentí que tenía que hacerlo de forma que fuera más como música latina real, así que ha sido una progresión con esos tres discos. Mi objetivo fue y es el crear un lugar que no había existido, donde la guitarra puede ser aceptada como una voz principal en la música latina. Y todo está hecho con un gran amor y respeto a la música y el género. En este esfuerzo, le debo mucho al el dinámico equipo de ritmo de Marc Quiñones y Bobby Allende aparece en los 3 CD, y con Rubén Rodríguez uniéndose a ellos en los dos últimos.

[8]    Cuando compones, ¿de dónde viene tu inspiración?
[SK]  Esto es lo que es importante para mí; durante el proceso de composición tienes que preguntarte, ¿qué es lo que quieres que la música exprese? ¿Qué cualidades debe tener esa música para que sea una música en la que yo quiera estar involucrado? Las dos cosas más importantes para mí son mood and attitude, [ambiente y actitud]. Eso es lo que importa. Si ves la historia del jazz, toda la buena música tiene ambiente y actitud. Hay gente que dice que mis intros son demasiado largas. Son largas porque son libres, pero lo que estoy estableciendo es el mood de la pieza y la actitud viene de mí y de los otros músicos. Los músicos con los que me gusta tocar tienen una gran actitud, y eso se refleja en la música. En cuanto a si estoy escribiendo algo o incluso haciendo un arreglo, si siento que creamos un ambiente, entonces puedo seguir adelante. Si no puedo encontrar el ambiente, entonces no puedo continuar.

[9]    ¿Tienes algún método o proceso en particular para componer música?
[SK]  Sí, ¡es el proceso del sufrimiento! [Risas] para mi es interesante, en "PARTING SHOT" escribí 7 de las 10 piezas, en "SUBTEXT" escribí 2 y media y en "BACKLOG" ¡no escribí ninguna de ellas! Y es porque no sentí que tenía yo algo suficientemente bueno para hacerlo, así que preferí interpretar música del catálogo de música que amo tanto. Si ves mis álbumes verás que siempre estoy interpretando a los compositores que me gustan y eso es lo que hago. Pero las piezas que escribí en "PARTING SHOT", fue tanto trabajo escribirlas, igual en "SUBTEXT", fue muchísimo trabajo. Yo pasó por épocas en las que simplemente no escucho cosas en mi cabeza, así que me convierto más en un arreglista e intérprete que en compositor.

[10]    Muchos de los grandes álbumes de fusión de los años '70 y '80 de muchos artistas ahora están descatalogados, y las compañías discográficas no siempre consideran volver a publicar muchos de esos álbumes. En todo caso, la mayoría vuelve a emitirse en formato digital ahora que el formato del CD parece estar a punto de desaparecer. ¿Qué llevó a las reediciones de tus álbumes?
[SK]    ¡Es una historia realmente fascinante! La mayoría de las personas no se dan cuenta de que "el artista" no tiene control, y nada que decir acerca de su material de catálogo anterior, A MENOS QUE posean esos álbumes. En mi caso, poseo muy pocos de mis propios álbumes, especialmente los del principio de mi carrera, pues yo tenía un contrato de grabación. Lo que esto significa es que no tengo absolutamente nada que decir sobre cualquier reedición que, por ejemplo, Columbia Records, ahora Sony Music, decida hacer. No están obligados a consultarme sobre la música, el audio, el empaque - ¡NADA! En verdad, es realmente una situación horrible. En mi caso, soy muy accesible, solo estoy a un correo electrónico o una llamada telefónica. Pero, en su mayor parte, a nadie realmente le importa un comino.
    La primera de las 3 reediciones recientes de BGO Records (UK/Reino Unido) fue un verdadero milagro para mí, en verdad, simplemente cayó del cielo. El escritor Charles Waring había sido contratado para escribir las nuevas notas para el paquete de mis 3 álbumes de Columbia, y me escribió a través de la página CONTACT STEVE en mi sitio web, preguntándome si estaría dispuesto a hacer una entrevista para las notas. Ese momento fue la primera vez que escuché algo sobre una nueva edición. Tuve mucha suerte por haber sido contactado.
    Al final, pude forjar una relación muy buena con Andy Gray y Mike Gott de BGO Records, y me permitieron tener a Janet Perr diseñando la nueva portada, ¡a mis expensas, por supuesto! Lo que ella hizo incluye una imagen de Jean-Michel Folon. Aunque la masterización se realizó en Inglaterra, también me permitieron estar en contacto con Andrew Thompson, el ingeniero de masterización, y pude darle mi opinión sobre esos álbumes, y donde pensé que, desde una perspectiva seria de audio, podrían mejorarse. Fue maravilloso trabajar con Andrew en esto, y creo que ayudamos mucho al audio, especialmente en "THE BLUE MAN".
         La segunda reedición fue en realidad mi idea, y se la ofrecí a Andy y Mike, y ellos la aceptaron. Por lo tanto, los álbumes originales de Eyewitness, - los 3 con Steve Jordan en la batería - fueron reeditados justo después de que saliera "SUBTEXT"! Desde el punto de vista de un negocio, una reedición es una gran cosa para cualquier artista, ¡pero especialmente para un artista pequeño como yo! Es un regalo. Da la apariencia de que tú, el artista, en realidad estás haciendo algo cuando, en verdad, no lo estás haciendo. Tiene una forma de extender su carrera durante un período en el que no hay nada nuevo en el horizonte. Para mí, me da tiempo para pensar, recargar energías y tratar de reubicar mi centro creativo de nuevo. Para mí, este es siempre un proceso difícil. La reedición más reciente, recién lanzada a principios de este año, 2018, también fue idea mía. Una vez más, Andy y Mike fueron geniales al respecto, y lo hicieron posible. Al igual que todas estas reediciones, Janet Perr hizo el diseño de la portada maravillosamente, y hemos conservado el aspecto de mis álbumes más antiguos. Ese aspecto solo es emocionante para mí. La continuidad es una gran cosa para un artista. Me refiero a esta reedición actual como el paquete Eyewitness2. La razón por la que digo eso es porque, en esos álbumes, Anthony Jackson, Manolo Badrena y yo todavía estábamos juntos, pero, en "PUBLIC ACCESS" Dave Weckl se unió a nosotros en la batería, y en "HEADLINE" y "CROSSINGS", Dennis Chambers era el baterista. ¿Qué tan afortunada puede ser una banda?!?!?!?! [Risas].
    Para mí y para los otros músicos, es una gran ventaja tener estos álbumes disponibles nuevamente en el formato de CD. Puede que nunca vuelva a suceder. En los más de 25 años que han pasado, han llegado nuevas generaciones de músicos y fans, y nunca antes habían escuchado esta música. Espero que ahora, si están interesados, podamos llegar a los oídos de algunos de ellos.
    Antes de estas recientes reediciones, una de las cosas que traté de hacer fue conseguir que los sellos disqueros de mi trabajo anterior hicieran que TODOS mis álbumes de catálogo estuvieran disponibles, como mínimo, a través de iTunes y otras plataformas de descarga. Tomó mucho tiempo, paciencia y persistencia, pero lo hicimos posible y, hasta donde yo sé, todo está todavía allí y el público puede acceder a ellos con un mínimo esfuerzo. ¡Tengo que verificarlo periódicamente para asegurarme de que todo sigue allí! Pero, hacer esto no fue fácil. Tienes que encontrar la manera de conectarte con las personas adecuadas en los dos grandes conglomerados: Sony Music y Universal Music Group, que controlan gran parte de la música del pasado. E incluso cuando encuentres a "esa persona", puede ser tan difícil hacer algo así, ¡y hacerlo rápido es aún más difícil!

[11]    Ahora que el vinilo ha vuelto (¡o tal vez en realidad nunca se fue!), ¿Alguna vez se ha tenido en cuenta la posibilidad de volver a publicar tus álbumes en ese formato?
[SK]    Aunque mi colección de LP ocupa una gran cantidad de espacio en mi sala de música, casi nunca los escucho. Teniendo en cuenta que la mayoría de las personas, - incluidos los músicos, - ya no poseen equipos de audio de alta gama: un potente amplificador, excelentes parlantes y una excelente tornamesa, no empiezo a comprender la fascinación que estas personas tienen por el sonido supuestamente "más cálido" del vinilo. Están escuchando a un nivel que no comenzaría a revelar esto, si es que de hecho, ese análisis sea cierto. Honestamente, realmente no me importa que estas etiquetas vuelvan a publicar mis viejos álbumes en vinilo o no. Y nuevamente, si deciden hacerlo, seguramente no se pondrán en contacto conmigo. ¡Eso sería desafortunado, pero está fuera de mis manos! Creo que la mayoría de los jóvenes no tienen idea de lo maravillosa que puede sonar la música cuando se escucha en los componentes de audio de alta gama. Espero que algo cambie, y que estas mismas personas encuentren que tal inversión en escuchar música realmente vale la pena. ¿Vale la pena para mi? ¡Sin duda!

[12]    ¿Has escuchado algún músico de jazz nuevo que te llame la atención?
[SK]    Casi todo el jazz que yo escucho es de los años '60s. Tengo 71 años, ya no soy un jovencito, ¡y lo peor es que todo el mundo es más joven que yo! [Risas]. Hay muchos grandes guitarristas que son más jóvenes que yo, con formas individuales de tocar la guitarra, y todos hacen cosas que me parecen interesantes. Pero en cuestiones de escuchar alguna música nueva que vaya a voltear el mundo de cabeza, no puedo decir que haya escuchado algo así, pero quizá es que si existe y simplemente aún no lo he escuchado. Quiero creer que sí existe y trato de mantenerme al tanto de lo que pasa en la música actualmente. Cada vez que escucho algo hecho por Michael Brecker no puedo creer la profundidad y pasión que él tenía, es triste pero es algo que ya no escucho saxofonistas de hoy que me maten de esa forma. Y trato de escuchar de todo. Quiero que la música me mueva emocionalmente, que me transporte a algún lugar, y cuando escucho discos de Ornette Coleman, el trío de Bill Evans o el cuarteto de John Coltrane, para mi es muy difícil lograr algo que tenga mayor profundidad que eso. Es difícil decir cuál será el futuro de la música.

    Antonio, entiendo que tu pregunta está más relacionada con el Jazz, pero tengo que decir algo aquí sobre otro tipo de música, más bien es un grupo de músicos y cantantes, compositores de Argentina. Muchos fans en todo el mundo les conoce como Aca Seca Trio. Hace muchos años MySpace solía ser una excelente plataforma para que los músicos de todo el mundo participaran en intercambios culturales y personales, y a través de YouTube, encontré algunos videos de un concierto de Aca Seca Trio, y me emocioné tanto con esta música maravillosa que me motivo a encontrar a los integrantes. De alguna manera encontré al pianista, cantante y compositor Andrés Beeuwsaert allí, y le escribí un simple y sincero correo electrónico sobre el video musical que yo había visto. Andrés fue muy amable y respondió en español, y nació lo que se convirtió en una verdadera amistad. Estas cosas pueden suceder. Mi padre siempre me dijo, desde mi juventud, 'Steve, si alguien hace algo que te gusta, cuéntales, ¡siempre cuéntales!' Y así, a lo largo de mi vida, he terminado haciendo esto y, en términos generales, siempre ha valido la pena el esfuerzo.
    Justo el otro día, de la nada, Andrés me envió los nuevos videos de un concierto de Aca Seca con una orquesta que recientemente había sido grabada y filmada en Buenos Aires. Ni siquiera recordaba yo que esto había sucedido. Descargué los enlaces, y comencé a mirar y escuchar. Una vez más, el mismo sentimiento glorioso se apoderó de todo mi ser, y fui transportado a otro lugar, un lugar dentro del cual existen cosas bellas, existen hermosos sentimientos, y el arte, y la música maravillosa pueden llevarte allí si estás dispuesto a ir. Cualquier ser humano puede hacer esto como receptor.
    Tarde, tarde en la medianoche, me senté aquí solo en mi computadora, con los audifonos puestos para no molestar a mis vecinos de arriba que odio [Risas] escuché todo el concierto y constantemente me saltaban las lágrimas. No era algo que yo pudiera controlar. Sigo siendo una persona fundamentalmente angloparlante. ¿Entiendo cada una de las palabras o frases de las que cantan Andrés, Juan Quintero o Mariano "Tiki" Cantero en estas canciones? No, claro que no. Pero algo en su música es tan poderoso, tan universal que me llega, me toca y me hace sentir feliz de estar vivo, de vivir en un momento en el que puedo experimentar algo así. A veces, el matrimonio entre una palabra en particular y una nota, una sonoridad, está tan perfectamente formado, no por un gran diseño o plan, sino simplemente porque tiene que ser de esa manera: que una vibración se envía al universo y otras personas los seres lo reciben y responden a él. Es, en ese momento, inexplicable, y no importa si se puede explicar. Se siente, y eso es todo lo que importa.
    Hace muchos años, a principios de los 90, a través de una "carta de admirador" similar que había enviado al gran Clare Fischer, él y yo también nos hicimos amigos, me enorgullece decirlo. Una noche estábamos hablando por teléfono, y a pesar de que, en ese momento, me acercaba a los 50 años, todavía tenía que experimentar realmente en su camino, o comprender en total lo que me estaba diciendo, y tenía que ver con una experiencia que el había tenido con problemas de salud. Me habló de un momento cuando estaba en el estudio, y estaba escuchando la reproducción de una orquestación que había hecho para otro artista, y mientras escuchaba, se llenó de emoción y se le formaron lágrimas y le salieron de los ojos, aparentemente sin ninguna razón en particular. Me dijo que se había conmovido así con solo escuchar una sola sonoridad, y que no podía entender por qué estaba sucediendo. Fue muy emotivo para mí haberlo escuchado decir esto. Pero, no pasó mucho tiempo después de que comencé a experimentar momentos y sentimientos similares, y comprendí completamente lo que estaba tratando de decirme. Me pasó otra vez la otra noche escuchando a Aca Seca. Pero, ese sentimiento puede sucederme a mí, a mí en cualquier momento, y sucede mucho. El sonido se apodera de un sentimiento, de una emoción, y simplemente te sobrecoge, pero de una forma muy positiva y cálida.
    Después de haber escuchado todo el concierto de Aca Seca Trio con Orquesta Sin Fin, tuve que sentarme y escribirle a Andrés para contarle lo que pensaba y sentía. Le he escrito así muchas veces en el pasado, así que esto no es nuevo, pero no me da vergüenza expresarme de esta manera, ni repetirme si es necesario. Le dije esto:

    "¡Este concierto es increíblemente hermoso, Andrés! ¡Maravilloso! Este es el tipo de producción en total que merecen tú y Juan, Tiki, tu música merece algo como esto. ¡Todo está muy bien hecho! Se ve hermosa, y ¡me suena fantástico! Por supuesto, escuché "Hurry" y "Pasarero" primero y, mientras escuchaba, tenía lágrimas en los ojos. ¡Así de bueno era para mí! ¿Tal vez, tengo una edad donde la belleza en la música y el arte me afectan de esta manera? Pero, ¿cómo podría ser eso algo malo? Estoy muy feliz por ustedes tres. ¡Me hace sentir bien saber que están haciendo cosas como esta y que son apreciados de esta manera! Como dije, ¡te lo mereces, tu música lo merece! Tanta dedicación y trabajo duro en cada detalle. ¡Estoy orgulloso de todos ustedes, orgulloso de conocerte, orgulloso de decir que todos somos amigos! Qué documento tan espectacular de todo lo que Aca Seca es y representa. Simplemente no podría haber un testimonio mejor y más duradero de lo que es tu música. Tú, Juan y Tiki deberían estar justificadamente orgullosos de este concierto, en este momento. Todos en la orquesta y, por supuesto, el arreglista y director Exequiel Mantega por sus grandes esfuerzos y su comprensión fundamental de lo que es y representa esta música, porque es MÁS GRANDE de lo que la mayoría puede entender, ya que tiene el poder de cruzar fronteras e idiomas. La respuesta del público en vivo también es muy reveladora. Su entusiasmo y el orgullo se puede sentir a través de todo, ¡puedo sentirlo todo el camino hasta aquí en Nueva York! ¡Estoy muy feliz por todos! Felicitaciones hermano, una vez más, ¡has hecho algo IMPORTANTE! ¡Realmente creo eso! Todos los músicos de la orquesta son fantásticos, han actuado maravillosamente y me enorgullecen saber que, de alguna manera, soy uno de ellos, un músico humilde que hace lo mejor que puede. Todos los involucrados deberían estar muy orgullosos de esto. Me encantó ver sus caras cuando interpretaron esta música que no proviene directamente del idioma clásico, sino que es de su país o países cercanos, y la experiencia cultural trasciende todas las demás preocupaciones. Eso es lo que su grupo está haciendo, ¡y es hermoso! ¡Esos videos durarán toda la vida!"

    Y por eso, quería compartir esta experiencia y sentirme con quienes algún día podrían leer nuestra entrevista. Al final, se trata del poder de la música y el arte, y de lo hermoso y conmovedor que puede llegar a ser, si uno se toma el tiempo para experimentarlo.

[13]    Steve, ¿Qué opinas acerca de las personas que constantemente graban shows en vivo en clubes y conciertos, y luego publican fragmentos de esos videos, - o en su totalidad, - en sus páginas de redes sociales? Tengo curiosidad por conocer la perspectiva del artista. ¿Qué pasa con la publicación constante de videos de práctica personal, o simplemente ensayos, etc.? ¿Te parece excesivo?
[SK]     Antonio, estoy muy contento de que me hayas preguntado sobre esto, porque tengo opiniones muy fuertes sobre este tema en concreto. El hecho de que casi todo el mundo posee un smartphone, NO les da el derecho de grabar todo lo que oyen y ven, ¡solo porque la tecnología dice que pueden! ¡Creo firmemente que el artista debe ser la ÚNICA persona que controle su propio trabajo y cómo se comparte con el público! Con el tiempo, los artistas han insistido en que el club o la sala de conciertos anuncien a la audiencia antes del concierto que POR FAVOR guarden sus smartphones, y que no graben nada. Por supuesto, algunas personas si son respetuosas y hacen caso, pero muchas otras personas continúan faltando al respeto y pensando que es su derecho compartir una noche de música con sus amigos o seguidores. Si por mi fuera ¡yo haría que cualquiera de estas personas que está grabando el concierto fuera inmediatamente expulsada del club o la sala de concierto! Ellos no merecen estar allí. Así es como me siento al respecto.
    Además, como observador casual de algunas páginas de redes sociales, creo que la mayoría de los músicos y cantantes corren el riesgo de entrar en áreas de "autopromoción desvergonzada" que realmente no les hace bien. Para ser sincero, nunca he visto ninguna estadística que pruebe, sin lugar a dudas, que la publicación constante de videos es el camino al éxito. Pero incluso esta fuera la forma de hacerlo, me pregunto si un comportamiento como este realmente vale la pena o es necesario.
    Uno tiene que usar la tecnología y estas herramientas contemporáneas con dignidad, humildad, modestia y, con seguridad, buen juicio y buen gusto. Por supuesto, mi opinión no cuenta para nada y rara vez comento esto con alguien, incluso en privado.

[14]    ¿Qué es lo siguiente para Steve Khan?
[SK]    Cada vez que termino un disco, el proceso es tan agotador que me lleva uno o dos años recuperarme, volver a encontrar mi centro creativo y comenzar a montar nueva música, y he estado comenzando de nuevo ese proceso durante este último año. Aún no sé qué va a ser, pero mi objetivo es siempre '¿puedo hacer un disco más?' Así que eso sería lo siguiente, pero si me preguntas qué va a ser concretamente o cuando lo voy a grabar y terminar, no lo sé, pero seguramente será una continuación de lo que he hecho en los últimos tres discos "PARTING SHOT", "SUBTEXT" y "BACKLOG".

[15]    Steve, tengo curiosidad, ¿cómo y cuándo aprendiste a hablar, leer y escribir en español?

[SK]    ¡Guau! ¡Qué gran pregunta Antonio, y muy oportuna también! [Risas] En primer lugar, tengo que decir que estudié francés durante la secundaria en Los Ángeles. Mi francés solo entró en uso cuando estaba de gira en Europa, y estaba en Francia o Suiza. Sorprendentemente, a los pocos días de llegar, gran parte de lo que había aprendido volvió a mí, junto con mi acento, que no estaba tan mal, si me permites decirlo. Disfruté tratando de hablar, y en Francia, esto es muy importante. Los franceses pueden odiarte si no haces el esfuerzo, y los estadounidenses son famosos por su arrogancia sobre aprender y hablar otros idiomas. En ese sentido, somos horribles, y tenemos que mejorar esto, cuanto antes, ¡mejor!
    Al principio de mi vida, supongo que era bastante normal, incluso sin hablar, en lo que respecta a los idiomas y, como muchos otros aquí en los EE. UU., Simplemente asumí que, eventualmente, todos acabarían hablando inglés. Este tipo de actitud, nuevamente, no expresada, es intolerable y repugnante para mí ahora. Pienso que los idiomas son como la música; hay un ritmo y una entonación para todos ellos, y si escuchas un idioma de esa manera, es mucho más fácil tratar de aprenderlo. Fundamentalmente, he aprendido mucho al solo imitar lo que escucho decir, incluso si, en cierto sentido, no es puramente correcto, como el acortar los extremos de ciertas palabras, pero, coloquialmente, así es como todos hablamos, en nuestro lenguajes propios.
    En 1984, me presentaron a una mujer joven, una estudiante graduada muy inteligente en psicología clínica que estaba trabajando para su doctorado. Ella nació y creció en Puerto Rico. Tenía una educación muy culta, y hablaba inglés perfectamente, además del español. Siendo el tonto completo que era entonces, no tenía ninguna motivación para aprender a hablar, incluso un poco de español. Viajamos muchas, muchas veces de ida y vuelta a San Juan para visitar a sus padres. Aunque aprendí muchas cosas sobre la cultura, lamento profundamente mi testarudez por aprovechar esa maravillosa oportunidad de crecer. Es un arrepentimiento que siempre llevaré conmigo. Estuvimos juntos en una relación, dentro y fuera, durante unos 10 años, casándonos en 1988, pero divorciándonos en 1994, después de una separación y una breve reconciliación. ¡En ese momento, por alguna razón, me estaba sumergiendo en otro lado importante de la cultura latina, la música!
    Después del divorcio, comencé a pasar el rato en los clubes de salsa de la ciudad de Nueva York, yendo a ver a todos mis soneros favoritos y sus bandas, especialmente aquí en mi barrio, ya que The Latin Quarter estaba a solo unas cuadras de distancia. Me fascinó el baile y comencé a tomar clases de baile de salsa en el centro. Apenas y tuve el suficiente coraje para practicar lo que había aprendido en el estudio de baile cuando fui a los clubes. Estaba tan asustado que no podía hacerlo, especialmente después de intentarlo una vez, ¡y una mujer que era una gran bailarina se rió de mí! Fue tan desalentador que perdí toda mi confianza y nunca la recuperé.
    En 1999, el gran tecladista venezolano, Otmaro Rúiz, con quien me había hecho amigo a través de un conjunto de circunstancias completamente cósmicas - que involucraba a un buen amigo en Francia - decidió por su gran sabiduría que me iba a presentar para corresponder como pen-pals con una actriz muy conocida en Caracas. En ese momento, había comprado algunos libros de autoayuda en español, e incluso había tomado algunas lecciones en Berlitz, pero, ¡no sabía nada, créanme! Por un tiempo, la correspondencia con esta maravillosa mujer iba bien; ella me escribió en español y pude responder en inglés. Fue grandioso, porque al leer sus e-mails inteligentes e informativos en voz alta, estaba aprendiendo a hablar en español.
    Eventualmente, íbamos a probar nuestra primera conversación telefónica. Estaba tan nervioso que no sabía qué hacer. Esa noche, tenía todos mis libros, y un montón de papel de notas esparcidos por mi cama para poder sobrevivir, y no parecía ser demasiado tonto. Me aseguré de saber cómo decir: "¡Por favor, habla con despacio!" si ella estaba hablando demasiado rápido para mí. Las cosas salieron bien, ella era muy dulce y amable. Y, de todas formas, resultó que sus habilidades con el inglés eran excelentes, ¡al menos en mis ojos! Y así, logramos y sobrevivimos y, por loco que parezca, nos estábamos enamorando. Eventualmente, viajé allí y nos enamoramos, pero, más que eso, me enamoré de Venezuela, su gente y su cultura. Ella me dio esto, y mucho más: las amistades que perduran hasta el día de hoy son tesoros para mí. Y así, ese fue el momento en que mi motivación estaba en su punto más alto para aprender a hablar y leer en español. Esta búsqueda continúa hasta el presente. Debo decir que uno de los libros más útiles para mí se tituló: "ESPAÑOL PARA GRINGOS". ¡Amo este libro, y todavía tengo volúmenes 1 y 2 aquí!
    Tristemente, aunque nos habíamos comprometido para casarnos, la relación no podía sobrevivir, y llegó a su predecible y triste conclusión. Eso fue en 2002. Con algo de tiempo para recuperarme, conocí a una mujer muy, muy dulce de Medellín, Colombia en 2007, y pasé gran parte de 2007-08 viajando allí para pasar tiempo con ella. En ese momento, tenía la confianza en mí mismo para hacer muchas cosas por mi cuenta, caminar, hacer amigos y hablar en español a donde quiera que fuera. No, no es el mejor español posible, pero lo estaba haciendo mejor de lo que había anticipado. De nuevo, hice amistades duraderas, y fue una experiencia hermosa. Luego, armado con mi nuevo amor por Colombia, pasé el 2009 viajando de ida y vuelta a Bogotá, ya que también había hecho muchos amigos allí. Llegué apenas conociendo a 2-3 personas, y cuando el año había terminado, tenía tantas amistades nuevas, y hoy están todas intactas de una forma u otra. Entonces, estas son las historias formativas que inspiraron y dieron forma a mi capacidad, como podría ser, para conversar, leer y escribir, un poco, en español.

[AG]    Muchas gracias por tu tiempo
[SK]    Al contrario, gracias a ustedes. Para mí es muy importante fomentar mi música dentro del público de habla hispana, especialmente con mis últimos tres discos, pues siento que muchos latinos no saben que alguien como yo está haciendo cosas así.

[Photo: Steve Khan by: Mark Wohlrab
John Scofield, Bill Connors, Steve Khan and John Abercrombie by:
Jonathan Postal for "GUITAR WORLD" magazine, 1984]